Daniel Maza

"Fonografía de Daniel Maza"

Daniel Maza es bajista y nace en Montevideo, Uruguay en 1959. Se cría en una familia de músicos, y desde pequeño, empieza a tocar la guitarra y otros instrumentos.
Se radica en Argentina a principios de los '80 donde comienza a trabajar con diferentes músicos del país. Participa en sesiones de grabación y en presentaciones con Valeria Lynch, Sandra Mihanovich, entre otros artistas.
Es incorporado al grupo de Horacio Fontova. Comparte escenarios con Mono Fontana, Mono Isaurralde, Chango Spaziuk y varios músicos de le escena argentina.
Es solicitado por Rubén Rada para compartir sesiones de grabación. Realiza “Jam Sessions” con Ray Barbeto, Simon Philips, Djavan, Ed. Mota, Steve Lukqter (Toto), Jeff Andrews y Richie Morales. Acompaña en distintas giras a Willie Chirino, Hugo Fattoruso, y a los percusionistas cubanos Changuito y Tataguines Celia Cruz lo convoca para diversas presentaciones en Sudamérica, Europa, Estados Unidos y el interior del país.
Los Auténticos Decadentes realizan una importante gira en México, Centroamérica y en más de veinte lugares de Estados Unidos, contando con Daniel Maza en sus shows.
Es bajista de Luis Salinas durante más de veinte años, y lo acompaña en giras por Brasil, Costa Rica, Panamá, España, Perú, y Estados Unidos.
También participa, junto a él, en los más importantes festivales de jazz de Latinoamérica y Europa. Graba en el nuevo disco de Salinas titulado ¨Ahí va¨, ganador del Premio Carlos Gardel al mejor disco de jazz del año 2004. En el 2003 edita ¨Música Destilada¨, su primer disco solista, junto a Osvaldo Fattoruso en batería y Abel Rogantini en piano.
El disco obtiene excelentes críticas tanto de la prensa como de los músicos en general. Participa como músico y arreglador en la grabación del disco del cantante argentino Jairo lanzado en el 2004. Es solicitado también como cantante para diversas sesiones de grabación.
Graba la música de la película “El Polaquito” que es nominada a los Premios "Clarín" como mejor música de película. Hugo y Osvaldo Fattoruso lo invitan a tocar en giras y presentaciones del Trío Fattoruso. Durante julio del 2004 Toninho Horta lo cita para presentaciones en el ND Ateneo y shows en el interior del país, conformando un cuarteto junto a Hugo y a Osvaldo Fattoruso. Forma parte del Edelmiro Molinari Trío junto a Sebastián Peyceré. Jahiro, Liliana Herrero, Horacio Fontova e Iván Noble participan como invitados en sus últimos shows.

"Música Destilada (2003)"

01 Funkidombe

02 A mi viejo
03 Samba de una nota sola (A.C. Jobim)
04 Mi tristeza
05 Amaza el candombe
06 La gloria eres tu (J.A. Méndez)
07 Murga pa´l cerro
08 Partido alto (J. Bertráni)
09 Te felicito(Ch. Novarro)
10 Plena del Seba
11 Balada para Ignacio
12 Locfunki
13 Compañero de ruta(C.Aguirre)
14 El piojo.

"Vamo Arriba (2007)"

1 De puro apuro
2 Afrobana
3 A mi vieja
4 Samba a Luizao Maia
5 Así como ayer
6 Urufunk
7 Mateo te amo
8 Candombe pa mi
9 Casi una chacarera 1
10 Dame una oportunidad
11 La Missisipi
12 Yatra Ta
13 Fantasías animadas

"Al Contado"

Samba a Luizao Maia - (5:07)
New Cambome - (5.06)
Dedos - (6:55)
Mateo te Amo - (8:00)
Un Samba para Tobías - (6:06)
Historia de un Amor - (11:17)
Urufunk - (10:49)
La Burrita - (4:11)
Amnesia - (3:05)
La Murga Rosa - (20:09)
Candombe Bailador - (12:58).

Pepe Gonzalez

Pepe Gonzalez - Faros 1996

01-Polución nocturna
02-Aire de mi ciudad
03-Malibú con Fanta
04-El misterio del pueblo
05-Aplanadora
06 Felton
07-Fuente de inspiración
08-Ana ( Pa' salado )
09 Tan lejos
10-Segunda sección de Sábados de Cine
11-Tercera sección de Sábados de Cine
12-Faros

Pepe Gonzalez - Febrero 1998

01.Estos uruguayos estan majaretas
02.Cuentan
03.Asterix
04.Vals Negro
05.Blumana
06.Voces
07.Highlander (anaranjado)
08.Toda la luna llena
09.Horas
10.Atardece
11.Se me cae un huevo
12.Milonga del Pepe.

Nicolás Ibarburu,Martín Ibarburu,Gustavo Montemurro,Federico Righi.


(Nico Ibarburu - MySpace)

Daniel Amaro - Mares y Abismos 1983

"Mares y Abismos 1983"

“Casuales casualidades me llevaron a nacer en un lugar escondido, tan chatito y tan querido que en el mapa no se ve..”

Eduardo Useta - Quien Diria 2001

Eduardo Useta / Quién diría 2001

Eduardo Useta (Guitarra y Voz) 

Carlos "Boca" Ferreira (Percusión) 
Rubén Rada (Voz)

Raúl Medina (Teclados) 

Francisco Falttoruso (Bajo) 

Osvaldo Fattoruso (Batería) 

Gastón Contenti (Fluger)

Tilo Pereyra (Trompeta) 

Jorge "Toro" Castillo (Saxo Alto) 

Fernando Dianesis (Trombón) 

Alejandra Díaz (Coros) 

Omar Estrada (Coros)

Federico Britos (Violin)

Luis Gonzalo Farrugia - Stellium 1999

"Luis Gonzalo Farrugia"

Luis Gonzalo Farrugia nace en Treinta y Tres, y luego de deambular su infancia por Montevideo pasa a residir en La Figurita. Desde muy niño le gusta la música y en particular la percusión. Sus estudios secundarios los realiza en el liceo Nº 1 "José Enrique Rodó". Influenciado por los Beatles, será en esos años que comienza un gran vínculo de música y amistad con César Rechac y Luis Cesio, al que se agregará Jorge García Banegas (futuro tecladista de Asfalto en España), interpretando covers de Deep Purple, Carlos Santana, Steppenwolf y otros. Al poco tiempo se sumará Ruben Melogno, proveniente de Ovni 87, donde también militara otro futuro Psiglo: Hermes Calabria, posteriormente en Barón Rojo en España. Así, comenzará el período más importante de su vida, algo que lo acompañaría aún en la distancia de su tierra natal.

"Cuando adolescente tuve un sueño, estaba en un escenario con una batería blanca, tocando con un grupo que se llamaba Siglo... Parece increíble, más años más tarde se hizo realidad"...

"Ideación" y "Psiglo II" bastaron para convertir a la banda en una de las más populares e importantes de la historia del rock y la música popular uruguaya, llegando a ser muy reconocidos en suelo argentino luego de sus apoteósicas veladas en los festivales B.A. Rock (71-72) en los años setenta. "Ideación" fue el primer disco de oro de la historia del rock uruguayo. Todo esto, origina la inquietud de incursionar en el mercado y ambiente musical de la República Argentina. Con César Rechac en sustitución de Cesio en la guitarra y Gustavo "Mamuth" Muñoz en el bajo, viajan a grabar su "Psiglo II", un opus adelantado para aquella época en el Río de La Plata. Sus obras, han sido editadas en países como Argentina y Brasil. Aún hoy, Psiglo es considerado uno de los más importantes grupos de la historia del rock sudamericano y publicaciones europeas lo sitúan entre los 20 más importantes de la historia del género denominado "hard rock progresivo" junto a Uriah Heep, Deep Purple, Led Zeppelin y King Crimson, entre otros.

Busco mi destino... CRUCIS

Tras el golpe de estado del 27 de junio de 1973, decide emigrar a Buenos Aires. El resto de los Psiglo, decide emigrar a España. "Yo no quería quedarme en un Uruguay en dictadura, mucho menos ir a una de 40 años como la España de Franco", sentencia el baterista.
En la capital porteña trabaja como músico profesional y percusionista de sesión, entre otros en el boliche "Bambú" de la calle Corrientes y Carlos Pellegrini, del cual tiene entrañables recuerdos. Más el destino, juega sus cartas nuevamente. En un ómnibus, el 36 por Rivadavia, dos jovencitos llamados Pino Marrone y Aníbal Kerpel lo reconocen por sus actuaciones en B.A. Rock y lo invitan al barrio de Flores a ver su banda, por entonces sin baterista: Crucis.
"Eran la continuación de Psiglo. Una banda muy potente que procuraba fusionar lo mejor de la música sajona con la fuerza latina y la riqueza de los textos de la lengua castellana. Me aprendí el repertorio en tres días. Tenían un gran poder latente, a punto de explotar. Muy buenos músicos, parecía estar de nuevo en Psiglo, me faltaba la voz de Ruben Melogno, para la cual no había reemplazantes".
"A través de mis conexiones logradas con Psiglo, consigo una entrevista con Osvaldo Ripoll de la revista Pelo y nos damos manija para hacer un show en el teatro Astral"... "Ese fue el comienzo de Crucis, allí nos ve Jorge Alvarez y nos ficha para la RCA Records", afirma Gonzalo Farrugia.
Graban en 1975 el primer LP: "Crucis". La revista más importante de aquellos años, Pelo, lo elige como el mejor disco del año y a Gonzalo como el mejor baterista del rock argentino. Similar éxito en 1977 con el segundo: "Delirios del Mariscal" y el comienzo de su actividad como docente de batería y percusión.

"Fueron excelentes años de mi vida, crecí humana y espiritualmente, mi conciencia y concepción del mundo tuvo un gran salto en hechos concretos". Una prueba fehaciente del éxito de Crucis fue la gira brasileña junto a León Gieco y Nito Mestre en el estadio de Ibirapuera, donde Gonzalo en su set incluye ritmos afro y de samba, con lo cual hace bailar a más de diez mil almas presentes. "Me sentí como si hubiera logrado vender arena a los árabes", recuerda Farrugia. Luego de esta gira, la banda se separa debido a diferencias internas. "Yo era el músico veterano y que quería ir aún más adelante y concretar mi visión de futuro para la banda. Gustavo Montesano empezó a denotar feos síntomas del estrellato y Pino y Aníbal no se lo bancaron más". "El último concierto en el Luna Park fue liberador y triste a la vez. Tocamos amenazados de muerte, en ese entonces comenzó mi repugnancia por el manejo del negocio del rock... Posteriormente, Pappo me invitó a unas jams y me subió el ánimo, volví a querer a la música". Farrugia comienza a trabajar con Charly García, David Lebón y Alejandro Lerner entre otros, obteniendo buen suceso en los "Festivales del Amor" por Buenos Aires, Córdoba y Rosario. La banda que formaron García y Lebón para esas fechas se llamaba Serú Girán, futuro pilar de la escena musical argentina. En 1978, después del mundial de fútbol se desata una gran recesión económica. "Me dormí una noche en el país campeón mundial de fútbol y me desperté en el país campeón mundial de la recesión". La realidad lo obliga, una vez más, a replantearse su futuro. Pino y Aníbal, entonces en Los Angeles, lo invitan a unírseles. Forman allí un grupo llamado "Contraband", pero dificultades legales perturban el posible futuro de Farrugia en EE.UU. Un uruguayo en la tierra de los mariachis El 28 de diciembre de 1978 llega a Tijuana, Baja California, México. Harto ya de promesas y falsas ilusiones de managers y mercaderes del negocio del rock, empieza a trabajar gracias a la buena voluntad de la asociación de músicos local. Es invitado a unirse a la banda del argentino Diego Verdaguer, a quien conocía de sus tiempos de Crucis. Más la buena disposición expresada por sus colegas de la asociación y el romance con la floreciente ciudad, lo obliga a fijar residencia. Tijuana vivía un gran esplendor demográfico, comercial, turístico e industrial. Los talentos artísticos eran muy bienvenidos. "La gente quería saber quién era ese tipo pelado y de pelo largo, alto como los norteamericanos y que hablaba inglés como tal, pero no lo era, que hablaba español con acento argentino, pero era uruguayo", rememora Gonzalo Farrugia. Se incorpora a una banda de salsa, incorporando nuevos lenguajes y conocimiento a su bagaje musical. Paralelamente, cosecha un sólido renombre como músico de "estudio" (sesionista), siendo frecuentes las invitaciones para grabar con docenas de los más variados artistas. En 1980 junto a Francisco Javier García, forma la Banda Municipal de Tijuana gracias a la aprobación del entonces presidente de la municipalidad, Roberto Andrade Salazar. La misma, de 35 músicos, albergará a Farrugia hasta el día de hoy inclusive como director de la sección de percusión. "Me permitió respirar tranquilo, era un obrero de la música, más llevaba una vida normal y en familia". El himno de México de la mano de un docente uruguayo Un día, conversando con García de los orígenes comunes de los himnos nacionales de Uruguay, Argentina y México y sus reminiscencias de clara inspiración del himno francés: "La Marsellesa", observan que las partituras originales del himno mexicano están fuera de tiempo en muchas de sus versiones no oficiales. Deciden grabar una nueva versión del Himno con la Banda Municipal de Tijuana, esta vez según las partituras de su autor: Don Eduardo González Bocanegra. El entonces presidente de la nación mexicana, el licenciado Miguel de La Madrid, aprueba esta versión como la nueva y oficial del himno mexicano. Al fijar residencia en Tijuana, otra vez la docencia se instala en su vida, con Paco García funda una escuela de música. Muchos de sus alumnos, hoy son discípulos privilegiados de maestros de la talla de Alex Acuña y Dave Weckl, entre otros. Incansable compositor, junto a Renés Araos en teclados, Rafael de los Palos en trompeta, Juan Córdoba en bajo y Martín Castro en guitarra forma una banda de jazz con influencias de música latina y afro. También junto a Neto Lizarraga funda T J Band, con la cual cosecharía numerosos éxitos. Paralelamente, incorpora la tecnología de punta a su arsenal musical, siendo uno de los primeros de la región en contar con batería electrónica, estudio con computadoras y teclados midi y demás implementos que le permiten aumentar su potencial de interpretación y de composición. En 1988 funda el grupo Todavía. "Un pop de excelente factura", nos dice Gonzalo. En su primer año recibirán el premio Obelisco, que otorga la prensa de Tijuana a los artistas más destacados de la cultura de aquel país. Se convierten en frecuentes invitados de la poderosa cadena televisiva ECO, hasta llegar a quebrar el monopolio angloparlante del Iguana’s, recinto donde se han llevado a cabo los más grandes conciertos de la localidad, reservado hasta ese entonces para artistas de la talla de Paul Mc Cartney, The Cure, Quiet Riot, etc. Allí, se produce el primer concierto de un grupo de habla hispana: "Rock en español", que recibe los más grandes elogios del público y la crítica. Graba junto a la Banda Municipal, "Música Nacional", editada en ocasión del centenario de la fundación de Tijuana. La docencia le dará grandes satisfacciones: es visitado por los músicos de Soda Stéreo, Los Enanitos Verdes, fervientes admiradores de Crucis y de su persona. No se olvida de su tierra... Más a pesar de todos los reconocimientos en otros lares, Farrugia es un hombre que gusta de los desafíos. Luego del recital-reencuentro de Psiglo en 1993 declara a la prensa: "Tocar música en mi país con Psiglo es como una deuda pendiente y estoy dispuesto a llevarla adelante". También con Crucis en Argentina: "Con Pino Marrone tenemos esa que el destino nos negó: reunir a Crucis. Ojalá que las fuerzas nos lo permitan". En 1997, con motivo de una invitación a los integrantes de Psiglo vuelve para participar en un merecidísimo homenaje al maestro de la comunicación Ruben Castillo y su "Discodromo TV" en el Teatro Solís. Las cerradas ovaciones del público de las más diversas edades al desempeño de la banda y la adhesión de una multitud que los corea en el escenario de "La Factoria" (lugar del rock por excelencia en Montevideo), lo hace afirmar: "A veces, me pica el gusanito"... También, recibe la invitación de Jorge Nasser de Níquel para incorporarse a la banda para el mega festival "Rock in Rou" en marzo del ’98. "Fue un desafío y a la vez un reeencuentro con mi país. Níquel es una de las bandas que ha mantenido el espíritu del rock en esta tierra. Siento que tengo que darles cosas al Uruguay, por eso estoy dando clases en la Yamaha School Music, para legar mi conocimiento musical y mis vivencias. El rock no va a cambiar la historia ni el mundo, más los chicos deben aprender a utilizarlo como un instrumento de conocimiento y crecimiento personal, por eso me dedico a la formación de bandas en esta escuela de música. Es una forma de agradecer y aportando, muy humildemente, algo a un país que necesita crecer. La cultura es el mejor valor, el tesoro de los pueblos", dice Farrugia. La actualidad, se llama "Stellium" su primer trabajo para el sello Sondor luego de casi 30 años, con músicos de la talla de Gustavo "Mamuth" Muñoz (bajista, ex Psiglo, Monalisa, entre otros), Ricardo Wizard González (ex guitarrista de los heavy progresivos Empire), Rodrígo González Pahlem (piano/teclados), además de invitados locales como: Jorge Nasser y Pablo Faragó (cantante-guitarrista y guitarrista de Níquel), Luis Alderotti (tecladista, ex Zafahroni), Pablo Portela (tecladista, el Conde de Saint Germain y Sótano Blues), e internacionales como Jorge Barral (bajista, ex Días de Blues y La Banda de España). A este trabajo, Farrugia lo define como "un CD de música sin fronteras, desde música latina a rock, desde fusión a new age, de tango moderno a ritmos afro, de heavy metal a rock progresivo, de pop a jazz, con una propuesta fresca y vital que podrán disfrutar los públicos más diversos en gustos y edades". Porque querer es poder... Ernesto Sclavo

"Gonzalo Farrugia/Stellium"

01-PORTAL DEL DESIERTO 

02-MEDIO MUNDO 

03-INSOMNIO 

04-EUROCLIDON 

05-SUITE RIOPLATENSE - PARTE A: LEVITANGO PARTE B: TANGONZALO 

06-BOSSA GOZA 

07-RANCHERITA 

08-FARRUGIANDO CON BARRAL 

09-NO MOLESTES 

10-SANDOMBE 

11-CATEDRALES DEL MIEDO

ConFusion 2005

"ConFusión"

Una oferta cultural amplia y diversa es una contribución al enriquecimiento sensible y artístico de una ciudad, por eso entendemos que la banda ConFusión es un aporte creativo y musical original que el público debe recoger con interés. ConFusión, como indica su nombre, propone en su música la fusión de elementos musicales de distintas épocas sobre una base rítmica afrolatinoamericana, con la concepción armónica y la libertad asociativa del jazz, y los sonidos, timbres, aires y dinámica de diversas culturas.

Daniel Bertolone: una leyenda viva, ya que ha sido considerado el más grande guitarrista uruguayo de rock y el blues de todos los tiempos. Integró y grabó los albunes, hoy de colección, de Opus Alfa y Días de Blues. Radicado en Australia por muchos años, acompaña a Eric Burdon, ex Animais, graba para EM! Australia con Muchos Gringos.
Miembro de Sound Source con el percusionista inglés Barry Sutton. Miembro de Espirito, en Inglaterra. Miembro de Kid James Raggae Band. Con algunos músicos de su generación, como Jorge Galemire, Yamandú Pérez, Raúl Lema y Gustavo Etchenique, realiza unos fugaces pero significativos recitales con “De Querusa”, durante una corta estancia en Montevideo en 1 978.
Actualmente, transfiere su excepcional destreza técnica en un método de guitarra e improvisación que se encuentra en preparacións circuitos de jazz y de fusión internacional.

Gustavo Mamut Muñoz: Músico surgido del under montevideano de los años 70, siendo muy joven fue integrante del legendario grupo de rock Psiglo. Su evolución y sostenido desarrollo técnico y musical lo vuelven un formidable bajista y contrabajista, que corno cesionista y músico ha trabajado con creadores de la dimensión de Eduardo Mateo, Jorginho Gularte, José Luis Pérez, entre otros. .De contrabajista de la Sinfónica de Montevideo, hasta su participación en grupos de tango, jazz, rock y música popular, Gustavo se ha desenvuelto con una genuina y convincente solvencia técnico/musical tanto a nivel nacional como internacional , siendo además un distinguido docente de su instrumento.

Juan Prada: Este músico cubano heredero de la genética musical de un Bebo Valdés o un Gonzalo Rubalcava, ha integrado la LatinBanda y el Juan Prada Trio, habiendo actuado como músico profesional con varios artistas en Cuba, y Suecia.

Andrés Arrillaga: Es uno de los jóvenes artistas uruguayos con un reconocimiento indiscutido tanto en el terreno de su virtuosismo técnico, como en su carrera docente, habiendo impartido cursos de batería en la Academia Berklee de Quito.
En México y en Uruguay, ha participado como músico profesional en proyectos discográficos y artísticos de distintos artistas.

Carlos "Boca" Ferreira: Reconocido percusionista de amplia trayectoria.

"DANIEL BERTOLONE"

De Opus Alfa y Días de Blues a ConFusión

(Amasijando los blues)Por Nelson Barceló

Hay bandas a las que no les alcanza su carrera entera para ingresar en la historia del rock nacional. Sin embargo allá por los '70s, Daniel Bertolone se aseguraba algunas páginas de esa enciclopedia con la grabación de discos fundamentales para el rock uruguayo, mediante sus bandas Opus Alfa y Días de Blues. De regreso a Uruguay nos recuerda aquellos años, y presenta su nueva banda ConFusión.

- ¿Qué te impulsó a tocar la guitarra?

- Bueno, yo tocaba el bajo y otros instrumentos, pero el guitarrista del grupo los Rubber Stones, grupo uruguayo de aquella época del que no recuerdo nada más, que se llamaba Néstor y tocaba muy bien, me dio ganas de tocar la guitarra eléctrica. Después vinieron muchos otros guitarristas, demasiados para nombrarlos a todos, pero si tuviera que nombrar un guitarrista que me impactó mucho en aquella época, sería Charlie Christian, que no era un guitarrista de rock sino de jazz. Me aprendí de memoria todos los solos de un disco que había conseguido donde él tocaba, y que era muy raro en aquel entonces.

- ¿Cuáles fueron las primeras bandas de rock que escuchaste?

- The Beatles, The Animals, The Rolling Stones, Ruben y los Cometas, banda mejicana de rock; Los Shakers, The Dave Clarke Five, Them, Bill Haley and the Comets. Uno de los solos de guitarra más difíciles del rock sigue siendo el solo de “Rock around the clock”. Y seguramente me olvido de alguna... estoy hablando de los primeros años de la década del sesenta, años ‘61, ’62. También escuchaba mucho a Ray Charles, que no era rock, pero era rhythm’n’blues, y me gustaba y me sigue gustando muchísimo.

- ¿Cuándo se forma Opus Alfa?

- No recuerdo la fecha exacta, pero fue por el año '66, tal vez después... Sólo editamos un disco.

- ¿Y cómo surgió Días de Blues?

- Surge después de Opus Alfa, y de las ganas que tenía Jorge Graf de tocar blues en trío, algo que él ya había hecho mucho antes que nadie aquí en el Río de la Plata. Además estábamos en los finales de la década del setenta y la guitarra de rock había evolucionado mucho con Clapton, Hendrix y muchos otros que no fueron tan conocidos pero que tocaban muy bien.

- ¿Qué sentís al escuchar un tema tan vigente como “Esto es Nuestro”?

- Surgió como muchos temas, de la realidad de aquella época, y nuestra decisión de decir cosas como las veíamos y pensábamos. En cuanto a lo que siento hoy día... una combinación de tristeza y orgullo, por el hecho que otras bandas hayan tocado ese y tal vez algún otro tema. Eso nos acerca frente a situaciones de injusticia que todavía ocurren en Uruguay y en todo el mundo, tristeza porque sigan ocurriendo.

- ¿Cómo recordás aquellos años?

- Con mucho cariño, con mucho gusto, fue una buena época.

- ¿Por qué se separó la banda?

- Habíamos hecho casi todo los que nos habíamos propuesto, y comenzó un éxodo del que fui parte después de Jorge Barral.

- ¿Cuánto tiempo viviste en el exterior?

- Desde 1974 hasta el 2003.

- ¿Seguís viéndote con el resto de los integrantes de Días de Blues?

- Sí, somos muy buenos amigos.

- ¿Podrían volver a juntarse?

- No creo que sea posible.

- ¿Por qué? ¿Pensás lo mismo respecto de Opus Alfa?

-Ambos grupos dejaron de existir y no creo que su música refleje de ninguna manera la realidad actual. Esto es mi opinión, no digo que sea absolutamente obsoleta su música. Cuando escucho esos discos los disfruto, pero no es lo que me interesa a nivel musical en este momento.

- ¿Qué opinás del rock uruguayo a nivel estrictamente musical?

- Creo que hay buenos músicos, solo he visto algunas bandas que me conformaron. No escucho nada que no se haya hecho treinta años atrás. Encuentro que el rock a nivel internacional no tiene absolutamente nada interesante que decir. Me gustan artistas aislados, como por ejemplo Sting, y otros que no creo posible se puedan catalogar como rock.
- ¿Tenés contacto con músicos de la última camada del rock nacional?

- Con algunos sí, y por lo menos estos que yo conozco están comenzando a ver la luz.

- ¿Cómo surge tu nuevo grupo ConFusión?

- Cuando volví a Uruguay en el 2003, me encontré con Gustavo ‘Mamut’ Muñoz, ex bajista de Psiglo, Mateo, Sinfónica, etc., y ambos coincidimos en que habíamos evolucionado hacia un tipo de música que se puede describir como fusión. Esto sería muy largo de explicar, porque no tocamos fusión en el sentido que se le dio a esta palabra cuando se puso de moda una música que se le llamaba fusión... somos músicos de fusión, producto de innumerables influencias que hemos tenido como músicos de esta región.

- ¿Quiénes lo integran?

- ConFusión está integrado por Gustavo ‘Mamut’ Muñoz en bajo, Juan Prada en teclados, Andrés Arrillaga en batería, y contamos con la participación en calidad de invitados de Carlos ‘Boca’ Ferreira en percusión y Gastón Contenti en trompeta y fliscorno.

- Si tuvieras que adelantarle a alguien el contenido del disco que acabás de grabar, ¿cómo lo harías?

- Este disco requiere que el escucha se libere de prejuicios y sencillamente escuche a los músicos tocar música... creo que si lo logran, pasarán de un estado inferior a uno superior.

- ¿Cuáles serán las próximas fechas de presentación del disco?

- Bueno, el disco ya fue presentado y ya tenemos muchos temas nuevos. Tenemos mucho para hacer a nivel nacional, regional, e internacional.

- ¿Tenés algún proyecto musical más, aparte de la banda?

- Sí, pienso grabar un CD con todos los guitarristas uruguayos, tal vez sea un CD doble, donde tendremos una sección rítmica y tocaremos todos los estilos, rock, blues, jazz, tango, folklore, bossa nova, clásico, étnico, etc. Será una especie de antología de los guitarristas del Uruguay, una especie de documento donde estarán todos los guitarristas tocando sus diferentes estilos.

Popo Romano

"Fonografía de Popo Romano"

Popo Romano, ganador del premio Fabini al mejor bajista, ha acompañado a artistas de la talla de Eduardo Mateo, Jaime Roos, Ruben Rada, Leo Maslíah, Hugo Fattoruso, Malena Muyala, Jorge Drexler, Mauricio Ubal, así como a artistas extranjeros como la cantante Gloria Gaynor y el guitarrista Luis Salinas. Ha formado parte de la fila de contrabajos del SODRE, la Banda Sinfónica Municipal, y ha actuado en los más destacados festivales de jazz de nuestro medio (Lapataia -Punta del Este-, Jazz Tour Radisson - Montevideo).

Editó en el 2000 el CD "Cuarto de música", reuniendo composiciones propias. A la salida del disco, la revista norteamericana "Bass Player" escribió: "El virtuoso bajista y contrabajista uruguayo Romano mezcla ritmos locales con fragmentos de fusión y esencia melódica...". Posteriormente la revista Rolling Stone de febrero 2003 calificó como excelente (cuatro estrellas) el CD editado por Ayuí: "Popo Romano es, tal vez, el mejor bajista que ha dado el país. Acompañó a los grandes artistas uruguayos. Cerca de Haden, y también de Pastorius, su primer disco solista aborda la murga y el candombe desde una óptica cuasi jazzística."
2003, edita nuevo CD "Cortinas". El trabajo tiene bastante de unipersonal ya que el mismo Popo programa baterías y percusión, tocando, además del bajo, contrabajo, guitarras y teclados. Aparecen como invitados Leo Maslíah (teclados) y Pablo Somma (flauta). Este CD está entre los cinco mejores editados en Uruguay en el 2003 según "Sabados Show" (27 dic 2003), "El Observador" (31 dic 2003), Rolling Stone - (Anuario Edición Especial 2003)
Nominación al Florencio por su primer trabajo junto a la Comedia Nacional por la música original de la obra de Peter Handke "La hora en la que no sabíamos nada los unos de los otros".

"Popo Romano – Cuarto de Música 2000"

01-Rápido por la rambla
02-Bajos de blanco
03-Amiga Danzarina
04-Fin de octubre
05-Las tres piedras
06-Lento
07-Marímbula
08-Cuarto de música
09-Itacumbú
10-Bassurdando
11-Estudio para bajo
12-Xymptobuayé.

"Popo Romano – Cortinas 2002"

01-Amigo bajo natural

02-Ausentes
03-Murga un 3 de febrero
04-De antes
05-Un color basta
06-En fin fin vuelta sin fin
07-De día
08-Porfida carrera
09-El día que lloró
10-Jugando sonar
11-Como parte de un todo (para Leo de Géminis)
12-Camino sin marcas
13-Comienzo de un fin
14-Puente (Carrasco)
15-Malísimos tonos
16-Tocando el frío.

"Popo Romano – Otra Mañana 2005"

01-Nuevo noviembre

02-Otra Mañana
03-No todavía
04-Tapas azules
05-Fin de octubre
06-Falla el robot
07-Ese lugar
08-Prince Gabriel
09-Patricios
10-Entrevero
11-En la sombra de tu vela.

(Popo Website)

Los Iracundos

"Los Iracundos - 1*Lp 1964"

Baila surfin
Caravana Ira. Versión Stop-Sin Palabras
Con un angel
Dame una oportunidad
Despierta Lorenzo
El robot
Gallinita twist
Guitar tango
Iracundos
Marianella
Susana
Te han visto a la noche

"Los Iracundos - 2* Lp.(sin palabras 1965)"

Boogie de la guitarra
Brasil
Caravana, 1ra. Versión
De buen humor
El hombre del brazo de oro
Granada
Harlem nocturno
Jinetes en el cielo
Luna triste
Rififi
San Louis blue
Seranata a la luz de la luna


"Los Iracundos 3*Lp (con palabras 1965)"

BE-BOP-A-LULA
Calla
DO RE MI
La casa del sol naciente
Linda nena
Lucila
Me recordaras
Perfidia
Si lloras,si ries
Te pareces a la naturaleza
Todo termino
Un leon escapo

"Los Iracundos - El Sonido (4* Lp.instrumental 1966)"

Abril en Portugal
Anapola
Boogie Woogie
Carioca
El rag de la calle 12
El tercer hombre
En la frontera de mejico
Hava nageela
Jesebel
Porroncito marron
Serenata de Schubert
Valencia


"Los Iracundos - Primeros en America 1966"

Cara mia
Cuando los angeles vienen marchando
Mi mente en ti
Moritat
Nena para ti
No hay que decir nada
Nuestro juramento - 1ra version
Porque eres asi-
Te he de encontrar
Tren solitario
Tu y el verano
Y la ciudad duerme

Beto Satragni y Raices

Raíces: Cuadro, Bengolea, Calamaro, Satragni y Santos
foto: Mordisco

Esta banda formada en 1977 y liderada por Roberto Valencia y Beto Satragni comienza a tomar importancia en el '78, cuando Andrés Calamaro reemplazó a Valencia. Si bien es difícil catalogarla dentro de algún género concreto, por aquella época se la llamaba fusión candombe-rock, aunque algunos destellos del jazz también se pueden percibir sin demasiado esfuerzo.

Si bien lograron un importante éxito con la presentación del primer disco a fines de 1978, fue cuando telonearon a Serú Girán en Obras cuando se terminaron de imponer dentro de su estilo.

Leo Sujatovich reemplazó a Martín Ordúñez (quien había ingresado en lugar de Calamaro poco tiempo antes) y Juan Carlos Tordó ocupó el lugar de Cuadros. Con esta alineación registraron el segundo disco, "Los habitantes de la rutina", en 1980.

Otra tanda de reemplazos sobrevino ante la imposibilidad de grabar una tercera placa y esta inestabilidad, sumada a que Satragni comenzaba su dúo con el baterista Oscar Moro, llevaron a la disolución del grupo.

El regreso de la banda se produjo en mayo de 1995, con las presentaciones en La Trastienda. Con David Lebón y Ricardo Mollo como guitarristas invitados, la formación que acompañó a Satragni fue: Enrique Sinesi en guitarra, Nora Sarmonía en teclados, Gustavo Liangot en piano, Daniel Colombres en batería y Jimi Santos y la Foca Machado en percusión.

En 1997 editaron un EP de cuatro temas, llamado "Ey Bo Road", que contó con la participación de Calamaro en el tema "Candombe de las esquinas".
Alberto Bengolea: guitarra
Beto Satragni: bajo y voz 
Jimmy Santos: percusión 
Raúl Cuadro: batería 
Roberto Valencia: teclados.

"Raices - B.O.V. Dombe,1978" Esto es candombe
B.O.V. Dombe
Hay un funky en la oreja del obelisco
Ton Coton
Belmiro
Cangas de Narcea
Destilando aceite

"Raices - Los habitantes de la rutina,1980"01.Los habitantes de la rutina
02.Y la historia continúa
03.Amigo candomberito
04.Amanecer en Zafia
05.Ésto es candombe
06.Para el abuelo Jacinto
07.Nube marrón
08.Tijeras latinas.

"Raices - Ey Bo Road,1987" 1. Candombe de las esquinas
2. Azabache
3. De tu risa
4. Candombe del empalme. 

"Raices - Empalme,1995"Esto es candombe
Por la ventana
Belmiro
Candombe del empalme
Los orientales
Ché-Ché
Espíritu burlón
Corralones viejos
Dedos.

BETO SATRAGNI - LA DESPEDIDA A UN GRANDE (1955-2010)

Los que iban cantando - Enloquecidamente (1987)

1) Distracción
Grabado en vivo el 2 de agosto de 1987 en el estudio de grabación de Sondor de Montevideo
Editada originalmente en el casete "Enloquecidamente" (Ayuí A/E 63, diciembre 1987)
BONALDI, Jorge: voces, violín
LAZAROFF, Jorge: voz, guitarra
LOMBARDO, Eduardo "Pitufo": voces, batería, bongó
TROCHON, Luis: voces, campanita, armónica.
LAZAROFF, Jorge.

2) Como la luz de los ojos
Grabado en vivo el 2 de agosto de 1987 en el estudio de grabación de Sondor de Montevideo
Editada originalmente en el casete "Enloquecidamente" (Ayuí A/E 63, diciembre 1987)
BONALDI, Jorge: voz, flauta travesera
LAZAROFF, Jorge: melódica, guitarra, voz
LOMBARDO, Eduardo "Pitufo": xilofón de juguete, armónica, batería
TROCHON, Luis: guitarra, voz.
TROCHON, Luis.

3) Paísito
Grabado en vivo el 2 de agosto de 1987 en el estudio de grabación de Sondor de Montevideo
Editada originalmente en el casete "Enloquecidamente" (Ayuí A/E 63, diciembre 1987)
BONALDI, Jorge: voz, guitarra
LAZAROFF, Jorge: voces, guitarra
LOMBARDO, Eduardo "Pitufo": xilofones, batería, voces
TROCHON, Luis: voces, guitarra, cornetita, vacas.
BONALDI, Jorge.

4) Las muertes conjuntas
Grabado en vivo el 2 de agosto de 1987 en el estudio de grabación de Sondor de Montevideo
Editada originalmente en el casete "Enloquecidamente" (Ayuí A/E 63, diciembre 1987)
BONALDI, Jorge: flauta travesera
LAZAROFF, Jorge: voces, melódica, guitarra
LOMBARDO, Eduardo "Pitufo": batería
TROCHON, Luis: voz, guitarra.
TROCHON, Luis.

5) Verás, verás
Grabado en vivo el 2 de agosto de 1987 en el estudio de grabación de Sondor de Montevideo
Editada originalmente en el casete "Enloquecidamente" (Ayuí A/E 63, diciembre 1987)
BONALDI, Jorge: voz, guitarra
LAZAROFF, Jorge: voces, tiple colombiano
LOMBARDO, Eduardo "Pitufo": bongó con escobillas, batería
SALSAMENDI, Graciela: voz grabada
TROCHON, Luis: voz, guitarra.
BONALDI, Jorge.

6) Movimiento
Grabado en vivo el 2 de agosto de 1987 en el estudio de grabación de Sondor de Montevideo
Editada originalmente en el casete "Enloquecidamente" (Ayuí A/E 63, diciembre 1987)
BONALDI, Jorge: violín
LAZAROFF, Jorge: zampoña, redoblante
LOMBARDO, Eduardo "Pitufo": güiro, cencerro, campana, bongó, batería
TROCHON, Luis: voz, guitarra, silbido.
TROCHON, Luis.

7) Progresos nocturnos / Reflexiones nocturnas
BONALDI, Jorge: voces, flauta travesera
LAZAROFF, Jorge: voz, guitarra
LOMBARDO, Eduardo "Pitufo": batería
TROCHON, Luis: voces, guitarra.
LAZAROFF, Jorge.

8) Agua bendita II
Grabado en vivo el 2 de agosto de 1987 en el estudio de grabación de Sodor de Montevideo
Editada originalmente en el casete "Enloquecidamente" (Ayuí A/E 63, diciembre 1987)
BONALDI, Jorge: voz
LAZAROFF, Jorge: piano, sintetizadores, voces
LOMBARDO, Eduardo "Pitufo": batería
TROCHON, Luis: voz operística.
BONALDI, Jorge.

9) El perico Alcasotro
Grabado en vivo el 2 de agosto de 1987 en el estudio de grabación de Sondor de Montevideo
Editada originalmente en el casete "Enloquecidamente" (Ayuí A/E 63, diciembre 1987)
BONALDI, Jorge: voz, armónica
LAZAROFF, Jorge: voz, guitarra
LOMBARDO, Eduardo "Pitufo": voces, guitarra
TROCHON, Luis: melódica.
MENA, Higinio.

Jorginho Gularte - La Tambora / Influencia

"Jorginho Gularte - La Tambora / Influencia"

01-Tambor,tambora
02-Cascatunga
03-Moreno
04-Desalojo
05-Vendaval
06-Underground
07-Flecha
08-Fermina
09-Capital
10-Estructura
11-Heavy Bó
12-¡¡Qué bien!!
13-Muchacho de esquina
14-Influencia
15-Trío Negro
16-Ineluctable.

Rumbo

Creado en 1979, sus fundadores son: Laura Canoura (nace en Montevideo, 1957, comienza sus estudios musicales con Marozzi, Agriel y Lazaroff, foniatría con Roberto Fontana, luego estudia canto con Estela Ibarburu y realiza los seminarios de mesomúsica con Coriún Aharonián); Mauricio Ubal (nace en 1959, estudia con Marozzi y Lazaroff, realiza el taller de composición con Aharonían. Se destaca además como el autor de la mayoría de los temas del grupo); Miguel López (1952, estudia guitarra con Agriel, interpretación con Marozzi y análisis musical con H. Tosar, es integrante del Grupo "Creación y Testimo"luego intenta como solista, después se integra a Rumbo); Gonzalo Moreira (nace en Montevideo en 1955, estudia guitarra con Olga Pierri y luego batería con Gustavo Echenique, es fundador de "Canciones para no dormir la siesta" e integra la primera formación de "Contraviento"); Gustavo Ripa (nace en Salto en 1959, estudia guitarra con Carmen Zina, armonía con Federico García Vigil, Rene Marino Rivera y Héctor Tosar. A su llegada de Salto, se une al grupo Canciones para no dormir la siesta, y luego a Rumbo); Carlos Vicente (nace en Montevideo en 1953, integra otras formaciones musicales como bajista, se une al grupo en 1979). El 10 de Octubre se estrena en el espectáculo "Para abrir la noche" que realiza Rumbo en el Teatro Circular, la canción "A Redoblar", que se transformaría en una de las referentes del canto Popular montevideano, fue compuesta por Rubén Olivera y Mauricio Ubal.

"Para Abrir la Noche (1981)"01-para abrir la noche
02-papel picado
03-como un pájaro libre
04-serenatas
05-montilla
06-viejo tablado
07-pa' que se marque
08-estados de ánimo
09-balada de hoy mismo
10-a redoblar
11-yapa 1 - con qué poco
12-yapa 2 - la bagayera
13-yapa 3 - la cheverona
14-yapa 4 - la cumbias

Todos los arreglos son de Rumbo.

Tomas de sónido y mezclas realizadas por Francisco Grillo en el estudio La Batuta de Montevideo entre setiembre y noviembre de 1980 (surcos 1 a 10). y por Derío Ribeiro y Jorge Ripoli en el estudio Gente de Jingles / Elvysur de Montevideo entre octubre y diciembre de 1982 (surcos 11 a 14).
Masterizaciones finales hechas por Daniel Yafalián en el estudio Sonus y por Riki Musso en el estudio Tío Riki. Montevideo, en febrero y abril de 1999.
*En la relación de autores de la edición original de "Para abrir la noche" no figuraban - en razón de la censura impuesta por la dictadura militar de la época - los nombres de Mario Benedetti, Adela Gleijer y Diana Reches.

Canciones para no dormir la siesta

"Fonografía de Canciones para no dormir la Siesta"

"Canciones para no dormir la siesta" 

Más que una leyenda callejera.

INTEGRANTES

La formación inicial de Canciones para no dormir la siesta, integra por orden alfabético a Jorge Bonaldi, Horacio Buscaglia, Nancy Guguich, Leticia Laurenz, más conocida en esa época como "Leticia" , Gonzalo Moreira, Jaime Roos y Walter Venencio.
(De la formación inicial, al disolverse Canciones, solamente quedaban tres de esos integrantes). La última formación, a partir de 1988 y siendo una de las más estables, tiene como base por orden alfabético a Jorge Bonaldi, Susana Bosch, Coco Fernández, Nancy Guguich, Gonzalo Moreira, Guzmán Peralta y Carlos Vicente.

Fugazmente la integraron Pippo Spera, que realizó una brevísima temporada en 1976 y Urbano Moraes, que incluso llegó a hacer algunas grabaciones que después no se publicaron. Aparentemente no se pudo adaptar al grupo y por esa situación se alejó.
Esos dos músicos entraron porque en 1975 Jaime Roos y Jorge Bonaldi se fueron a España para conformar el conjunto Patria Libre, junto a Jorge Lazaroff y Raúl Castro.

FUERA DE FRONTERAS

Las incursiones en el exterior fueron increíblemente muy pocas. Se registran algunas apariciones en Buenos Aires, en el Estadio de Obras Sanitarias, en medio de una gran embajada musical y alguna presentación en la cancha de River, en época de la Dictadura, y poco más.
Quizás la perspectiva de Canciones hubiera sido, para seguir adelante, el insertarse en la plaza porteña, donde seguramente su carrera habría sido eternizada por el gran mercado. Pero ninguno de sus integrantes estaba dispuesto a radicarse en Buenos Aires. Se prefirió intentar la televisión como forma de perpetuarse y la televisión no funcionó, por las causas que anotamos y porque Canal 10 tampoco tenía, en ese momento, una buena estructura de ventas para un producto que era muy vendible. La situación de auto-libretistas era incómoda para los cantantes. No se contaba con libretistas externos, con oficio y conocimiento de la interna grupal. El programa de Canciones le llegó tarde al grupo, y éste no pudo hacer el esfuerzo necesario como para sobreponerse a esa tardanza.

LA HERENCIA

El grupo dejó el antecedente de haber sido el conjunto que implantó la modalidad "recital de música para niños", con todo el aderezo y con todas las características muy particulares que debe tener ese tipo de actividad. No es lo mismo hacer un recital de música para adultos que hacer un recital de música para niños. Hay una serie de coordenadas muy distintas que Canciones para no dormir la siesta demostró que debían ser respetadas y que era conveniente tener en cuenta. Cosas tales como sustentar el interés de la audiencia a través de la participación directa del público en la configuración del espectáculo. El niño y el adulto que lo acompañaba pasaban muchas veces a formar parte del mismo, cosa que después adoptaron otro tipo de agrupaciones como por ejemplo la Antimurga BCG, en la que claramente se ve una influencia de Canciones - diversificada - en lo que tiene que ver con el contacto físico con el público. Dejó en los pocos uruguayos que continuaron haciendo música para niños, las bases para desarrollar un oficio.

Probablemente, sin tanta resonancia como tuvo el grupo en su momento, los viejos integrantes de Canciones - Jorge Bonaldi, Susana Bosch y Nancy Guguich - y aún algunos que no lo eran, como Mariana Ingold o Julio Brum, recogen muchas influencias y las desarrollan en algún sentido. Quizás los más coherentes espectáculos de música para niños se vieron después de la disolución de Canciones. Quizás no fueron tan vistosos ni tuvieron tanta repercusión masiva, pero fueron mucho más afinados en una serie de conceptos, tanto en lo musical como en lo estético. Tal, el legado en cuestiones fundamentalmente técnicas. En lo que tiene que ver con cuestiones anímicas y emotivas, en la población hasta el día de hoy, año 2000 casi, se percibe un recuerdo y un afecto que no ha variado.

Probablemente sería un gran éxito hacer un revival de Canciones para no dormir la siesta a diez años casi de su desaparición. Quizás sería un gran éxito y probablemente un gran negocio hacer una tribuna Olímpica del Estadio Centenario, o diez o quince Teatros Solís, giras por el interior y videos. Esa es una posibilidad que queda abierta. Es muy discutible si se deben hacer esas cosas o no, porque a veces pueden llevar a decepciones como ha pasado con otros grupos que lo han intentado en nuestro medio, pero es una posibilidad de futuro.

MUSICA PARA NIÑOS

El gran mérito de Canciones para no dormir la siesta fue el haber sentado las bases de lo que podríamos llamar la existencia regular de recitales en vivo de música uruguaya para niños. Si bien el repertorio inicial no era estrictamente de música uruguaya, sino más bien adaptaciones y algunas composiciones propias, después se pasó a una canción uruguaya de autor para niños.

Inicialmente, Canciones para no dormir la siesta al debutar en la sala Mercedes de El Galpón, estaba concebido como un espectáculo para niños donde ya se preveía que no se iba a manejar un hilo argumental, como era habitual en las obras de teatro para niños. El formato de tipo revisteril que trajo Canciones estaba derivado de la creencia de que no era conveniente intentar sustentar durante una hora y media o dos la atención del niño a través de una obra de tipo argumental. Se pensó, en ese entonces, en hacer algo mucho más dinámico, como pequeños cuadros auxiliados por la música y fundamentalmente por la canción.
El tiempo y el devenir de las cosas fue transformando a Canciones para no dormir la siesta en un verdadero conjunto de música para niños con un sonido propio. La aportación estética no fue muy importante, pero si existió un sonido propio y ese sonido tiene su origen en Walter Venencio, integrante desde 1975 hasta 1979, notable músico injunstamente olvidado. Las desavenencias internas casi constantes a lo largo de 15 años, a la par que la permanente generación de micro-situaciones de poder dentro del grupo, motivaron el alejamiento de distintos músicos de real valía. También la de Venencio.

Canciones pertenece a una generación de artistas músicos, que se plantó encima de los escenarios de una manera muy distinta a como lo venía haciendo la generación precedente, de `cantores de protesta´. Pertenece a la generación de Los que Iban Cantando y otros artistas que lograron vínculos muy distintos con el público y con el manejo del espacio físico y de las plateas. Generó otro tipo de relaciones, llegando al contacto físico conla audiencia, cosa hasta el momento inédita

El impacto de Canciones para no dormir la siesta es, entre otras cosas y fundamentalmente, emotivo y masivo. Dentro de la población uruguaya, en todo el país, fue un grupo de incidencia masiva, pues con el paso del tiempo la gente tomaría su trabajo como referente para el entorno familiar y la formación de los niños en el entorno escolar. También en el plano anímico; no hay que olvidar que Canciones para no dormir la siesta tuvo su impacto fundamental en una época muy particular: la Dictadura. El éxito inmediato del grupo se debió a que, de una manera absolutamente premeditada, Canciones proponía exactamente lo contrario que lo que proponía la Dictadura. La propuesta más visible era el optimismo, la ligazón entre las personas, un cierto aire de desobediencia civil; y esto era exactamente lo contrario de lo que promovía el régimen militar: el aislamiento de la gente, el miedo, el terror, la disgregación y la negrura. A esto Canciones para no dormir la siesta oponía un brillo que la gente percibió de inmediato.

Es curioso como, a través de un espectáculo para niños, se pudo generar una situación tal de desacomodo de lo que proponía el régimen, que en sus primeros tiempos, en el primer año de existencia, Canciones resulta espiado por la Dirección de Inteligencia y Enlace, siendo uno de los primeros números artísticos, según se cuenta, en sufrir semejante situación.Todo esto se convertiría en una especie de marca, de sello de fábrica que, con el tiempo, llevó al conjunto a los escenarios más grandes y a situaciones tales como realizar funciones en trasnoche, exclusivamente para gente adulta, sin variar el material que se manejaba con los niños. Tal, el origen de la leyenda callejera que hoy tiene Canciones.

HACIENDO HISTORIA

La trayectoria montevideana se inicia en 1975 (19 de junio) en la sala Mercedes del Teatro El Galpón, con llenos permanentes, pasando luego, brevemente, a la sala grande.

En los primeros meses de 1976, se produce la arremetida contra la cultura por parte de la Dictadura. Se clausuran y se expropian las dos salas de El Galpón, lugar donde en esos momentos, Canciones, que ya había integrado a Pippo Spera y a Susana Bosch, estaba haciendo el inicio de la temporada. Resultado, los instrumentos quedan secuestrados dentro de la sala grande del teatro. Por precaución, durante un tiempo, el matrimonio de Nancy Guguich y Horacio Buscaglia (militantes del Partido Comunista), se radica en Buenos Aires, más que nada como medida preventiva. Eso da lugar a una disolución temporaria de Canciones, que se prolonga hasta 1978.

En el interim (1977), Horacio Buscaglia dirige un espectáculo a dúo de Susana Bosch y Walter Venencio que se llama "Para cuando llueva", que de alguna manera da una continuidad a lo ya empezado con Canciones. De alguna manera, ellos perpetuaron el recuerdo de Canciones para no dormir la siesta, en un momento en que se relanzaba la canción popular a través de lo que se llamó el Canto Popular.

En 1978 la vieja guardia del grupo es convocada nuevamente a conformar el espectáculo. Jaime Roos ya estaba radicado en Europa , pero Bonaldi retorna a Montevideo en 1977 para conformar Los que Iban Cantando y luego se reincorpora a Canciones para no dormir la siesta. Se reformula el conjunto con Gustavo Ripa, que permaneció hasta 1988 y por ausencia de Susana Bosch, se suman Jorge Lazaroff con Cecilia Prato, hasta fines del 80 cuando abandonan el conjunto. Queda así una formulación más estable que integra también al "corto" Buscaglia en escena hasta el año 1985, en que opta por marcharse para dedicarse a otro tipo de cosas. Se consolida así un sexteto con: Bonaldi, Bosch, Guguich, Moreira, Ripa y Vicente; esa fue la médula, la espina dorsal de los grandes momentos que vivió Canciones para no dormir la siesta, haciendo espectáculos en el Palacio Peñarol, en el Estadio Centenario, etc, etc. En los años 78, 79 y 80, el conjunto se radica en el Teatro Circular.

"Canciones para no dormir la siesta 1979"

01-Vengan niños
02-Candombe de Juana
03-Si usted tiene
04-La Feria de Tristan
05-Principe Azul
06-Sal de ahi chivita
07-La Orquesta de Manolo
08-Porque asi me gusta a mi
09-Coyita cantor
10-Tres hojitas
11-Fidilalala
12-Sobre nubes
13-Por Martin y porque si.